Por todos es sabido que desde My Feet in Flames siempre hemos apoyado todo tipo de propuestas innovadoras, llevadas a cabo por jóvenes emprendedores con el único objetivo de hacer llegar su música lo más lejos posible. Hoy os vamos a hablar de un nuevo proyecto que nace en Barcelona bajo el nombre de 4-to-the-home, y que combina la música electrónica con las retransmisiones en streaming de sus sesiones.

William Dafoe es el cabecilla del proyecto 4 to the floor, un proyecto musical que se desarrolla en el Jazz Cava de la ciudad de Vic para convertirlo por un día en disco club una vez cada tres meses y mostrar vía streaming para todo el mundo la música electrónica de vanguardia desde la Cataluña profunda, con el deep house y la bass music que impera en la escena actual de UK, como grandes protagonistas.

Para la ocasión, el genial William Dafoe se baja a todo su equipo a la ciudad condal para mostrar el mismo concepto musical pero en un evento muy especial denominado 4 to the home desde un ubicación secreta en Barcelona y que servirá de previa al warm up que tanto Dafoe como Fra le tendrán preparado al genial artista nórdico.
Esta primera edición del 4-to-the-home contará con la participación de ocho DJs diferentes:

-Toloko - http://soundcloud.com/tolokobcn
-Pelukas
-Debaserhead
-Katsushikka - http://soundcloud.com/katsushikka
-William Dafoe - http://soundcloud.com/william-dafoe
-Làtzaro - http://soundcloud.com/latzaro
-Mejumber - http://soundcloud.com/mejumber
-Stein - http://soundcloud.com/steinakafun/

Como os hemos comentado antes, las sesiones se podrán seguir en este enlace, mañana a partir de las 17:30:

http://4tothehome.tumblr.com/live

Al terminar este primer 4-to-the-home, la fiesta seguirá en Nitsa, ubicado en la Sala Apolo de Barcelona. Allí William Dafoe debutará como nuevo residente de este club, considerado el más prestigioso de la electrónica barcelonesa. Con sólo 21 años y una trayectoria muy corta como DJ, William Dafoe ha conseguido ser el primer nuevo residente en quince años y esto reafirma una vez más su talento detrás de los platos.

Desde My Feet in Flames, deseamos mucha suerte y éxitos a estos jóvenes de Barcelona y a su innovadora propuesta. No os lo perdáis.

Durante la rueda de prensa y presentación oficial que se ha hecho del Día de la Música 2012 madrileño esta mañana en El Matadero se han dado los últimos nombres que cerrarán el cartel de pago del festival, que serán Tammar (día 22) y David Thomas Broughton y La Muñeca de Sal & invitados (entre ellos Sr. Chinarro o Fernando Alfaro) para el día 23.

La mejor noticia quizá haya sido la del concierto que darán Los Evangelistas en homenaje a Enrique Morente el día 21 de Junio, cuya entrada habrá que adquirir por separado.

De igual manera se ha anunciado que la nave número 16 de El Matadero (donde el año pasado tocaran Lüger, Yuck o Lykke Li) contará con aire acondicionado, para acabar con el calor sofocante que predominó el año pasado, donde se llegaron a contemplar desvanecimientos. En el resto del recinto se habilitarán también nuevas zonas de sombra para la mayor comodidad de los asistentes.

También añadir que el festival contará con un horario gratuito el día 23 desde las 11:00 hasta las 16:00 donde se darán cita los siguientes grupos: Fernando Alfaro, Fira Fem, Dolores, Luis Brea, Francisca Valenzuela, Templeton, Mañana, Tuya, Modelo de respuesta polar, Capitán Amatria, y Grushenka.

Por último, el día 24 de Junio tendrá lugar el Mini Día de la Música. La programación para los más jóvenes contarán con Cristina Rosenvinge, Lorena Álvarez y Su Banda Municipal y Candela y Los Supremos. Así como toda una amplia variedad de talleres y actividades que irán desde el yoga hasta el cocinado de galletas.

Así se terminaba de presentar la séptima edición de un festival en constante crecimiento que aspira a asentarse como el evento musical de referencia en la capital, donde ningún festival ha logrado establecerse de manera regular. De igual manera desde aquí esperamos que lo haga también, pues la labor de sus organizadores en la difusión cultural resulta irónica por impagable a la par que muchas veces gratuita.

FIB 2012, Benicassim

El Festival Internacional de Benicassim acaba de confirmar más grupos para la edición 2012 del festival. La lista completa es la siguiente:

• Don Gonzalo
• Los Hermanos Pizarro
• Two PIAS DJ’s
• Viktor Flores
• Virginia Díaz
• Blanca dB
• Zola Jesus
• The Antlers
• Matmos
• Little Boots
• Shit Robot
• Smart
• ChinYi
• Aldo Linares
• Kidd Ross
• Damian Schwartz
• La Habitación Roja
• The Crookes
• Getatchew Mekuria + The Ex
• Timber Timbre
• Stevie Jackson

Cartel por días y escenario del FIB 2012

Recordad que el festival se celebra del 12 al 15 de julio en Benicassim, Castellón. Los abonos siguen a la venta por 165€ + gastos en http://tickets.fiberfib.com/. Las entradas de día cuestan 75€ + gastos. También, como novedad, la organización ha lanzado un abono especial conjunto que incluye el FIB + el Costa de Fuego por 200€.

Tras conocerse hace más de un mes dos temas que formarán parte del próximo disco de Love of Lesbian, hoy la banda catalana no ha enseñado tres más a través de su cuenta oficial de Facebook: “Si tu me dices ben, yo digo affleck”, “Los días no vividos”, y “Nadie por la calle”.

El nuevo disco, que recordemos será doble, y llevará por nombres “La noche eterna. Los días no vividos”, saldrá a la venta el próximo 22 de mayo, y se editará bajo la discográfica Music Bus.

Aquí podéis disfrutar de los nuevos temas:

Tras la cancelación de Dr. John, la organización del festival Cruïlla, que se celebra en el Fòrum de Barcelona los próximos días 6 y 7 de julio, ha sabido reaccionar con rapidez y eficiencia, y ha cerrado la actuación de M.I.A. De esta manera, la artista británica se suma al cartel, junto a otros grupos ya confirmados como Cypress Hill, The Specials, Iggy & The Stooges o 2 many dj’s.

No obstante, los poseedores de una entrada para el sábado 7 de julio, día en el que actuaba Dr. John, puede solicitar la devolución de la entrada.

Os recordamos que los abonos de dos días para el festival siguen a la venta a un precio 70€ más gastos de producción, con la posibilidad de donar 2€ a Amnistía Internacional; mientras que las entradas individuales de días ya están disponibles por 40€. Estos precios se mantendrán hasta el día 6 de junio. Tenéis toda la información referente a las entradas en la página web del festival.

El próximo 12 de junio, The Tallest Man on Earth publicará su tercer álbum de estudio, que llevará por título There’s No Leaving Now. Ya tenemos portada (a la derecha de estas líneas) y un primer single, facilitado por la publicación Rolling Stone y que podéis escuchar aquí.

La lista de canciones que contendrá el disco es la siguiente:

01. To Just Grow Away
02. Revelation Blues
03. Leading Me Now
04. 1904
05. Bright Lanterns
06. There’s No Leaving Now
07. Wind and Walls
08. Little Brother
09. Criminals
10. On Every Page

Por último, también se ha dado a conocer la gira de presentación del disco, que comenzará a finales de mayo y terminará en octubre, con dos paradas en España. Las fechas españolas son las siguientes:

4 de octubre – Madrid, Sala Joy Slava
5 de octubre – Barcelona, Casino de l’Aliànça (Poble Nou)

Raúl Pérez

Es imposible para un músico responder dónde reside el secreto de una buena melodía, aunque escuchando a Beach House uno parece dudar sobre ello. Abocados a, como mínimo, igualar la grandeza de Teen Dream (Sub Pop, 2010), su nueva aventura ha sido un desafío al que la banda se ha enfrentado con las mismas armas con un resultado igual de favorable.

Hay que dejar claro que nos encontramos ante un trabajo continuista con respecto a su predecesor. Misma discográfica, mismo productor y mismo estilo, esto es, instrumentaciones simples salvaguardadas por efectivas capas de fondo, a modo de muro de sonido, que dejan al dúo de Baltimore dar rienda suelta a su genio y a todo un mundo por explorar en cada canción. Y es precísamente esta última característica la que no impregna de cierto dejà vu este Bloom (Sub Pop, 2012). La individualidad de cada uno de los temas de Beach House hace que nos olvidemos de una posible vuelta de tuerca que, pasadas unas cuantas escuchas parece innecesaria.

El disco comienza con “Myth”, tema elegido como primer single del disco. Y bastan unos cuantos segundos para maravillarse con la primera de sus melodías, para tener el primer flechazo. Un tema que va en contínua progresión, dejando en su parte central a Victoria Legrand dando una muestra más de la profundidad de su voz y culminando en una conclusión de capas instrumentales. Pese a todo, hubiera preferido como carta de presentación la consiguiente “Wild”, seguramente uno de los mejores temas de su carrera, en el que voz y guitarra parecen ofrecernos un baile sonoro, delicado y ensoñador.

Una de las características más deliciosas de este trabajo es que la parte final de algunas de sus canciones da la impresión de poder alargarse sin fin, como ocurría en las grandes canciones de los Beach Boys. Escuchamos en “Other People” repetir una y otra vez “Wasn’t ever quite enough”, la última estrofa en “Troublemaker” o el verso “Wishes on a wheel” en “Wishes”  y dan ganas de que la canción no termine nunca, de introducirse en cada uno de sus mundos y perderse en él.

Ya hacia el final, no queda más remedio que rendirnos ante la majestuosidad de la melancólica “On The Sea”. Un piano, unos pequeños arreglos y la voz de Legrand impregnándolo todo. Definición perfecta del Dream Pop en forma de canción. Verdaderamente sobran las palabras ante un trabajo como este, toda una experiencia.

Valoración: 9/10

Raúl Pérez

En el artículo de hoy voy a hablar de un puñado de parias muy descontentos con el organigrama social, ideológico y musical de los EE.UU. de su época. ¿Su época? De nacimiento, los 60. De floración, los 70. El objetivo de este ensayo no es pues otro que realizar una suerte de reconstrucción arqueológica de lo que ocurrió en la escena musical angelina entre 1965 (fundación de The Doors; aunque casi sería más correcto comenzar desde su disolución) y 1980 (suicidio de Darby Crash, cantante de The Germs). Esa fue la muerte del espíritu punk de la costa oeste, pero tampoco importa mucho, porque cientos de sus hijos bastardos recorrían ya el mundo.

Los orígenes, como he dicho, tuvieron lugar durante los 60 del flower power, donde tenemos dos grandes exponentes del proto-punk estadounidense, uno en cada costa: The Velvet Underground, en Nueva York, un grupo callejero cuyo lirismo tendía a versar sobre el consumo de heroína que llevaba a Lou Reed a componer, en una suerte de círculo vicioso y The Doors, en L.A. (a Frank Zappa le dejaremos de lado por ser un personaje demasiado complejo y controvertido para formar parte de otra historia que no sea la suya propia), un grupo de canciones pop, pero cuyo frontman, Jim Morrison, fue el disparador de lo que se conocería como actitud punk. Fuera del escenario aseguraba estar a favor de toda clase de ideas antisistema o de probado sin sentido, mientras que dentro de él era un niño caprichoso que mandaba a tomar por culo al público a cada momento. En el 71 ya estaba muerto. Sobredosis.

Para ese momento las tendencias blancas habían recuperado el rock, expulsando de este el jazz y el soul, y aunándolo a su propia tradición de country, que era lo único que sonaba en las radios de la ciudad para entonces. El punk fue la respuesta necesaria a Hotel California sonando cada 10 minutos en la radio. El fin de un periodo de apacible conformismo musical.

Pero antes. Tiempos brillantes, al menos en lo literal.

La transición hasta la ruptura definitiva (e insalvable) la protagonizaron sin embargo los glitter-kids. El Bowie venido de otro planeta, Zolar-X, New York Dolls, Iggy & The Stooges. Hombres vestidos de mujer (o a veces solo de astronauta), purpurina, escarceos (y algo más) con la homosexualidad. El glam funcionaba como una alternativa a la música correcta, que era la que generaba dinero. El glam era rebelde, peligroso, divertido, emocionante,…y glamouroso. Era muchas cosas que la música oficial había dejado de ser (Richard Cromelin). Estas palabras casi justifican la inclusión del género en esta historia, pero el verdadero motivo es que fue una obra descartada de esa época la que llevó a los jóvenes a sus garajes para comenzar a montar bandas antes de tener siquiera instrumentos. Es de Raw Power, tercer disco de The Stooges, del disco que estoy hablando. Raw Power era glam, pero también era algo más; algo nuevo, algo violento, algo incendiario. Ahora, unas palabras de Ray Manzarek muy ilustrativas sobre el glam y su muerte: A mí el glam me parecía algo totalmente absurdo. Tíos maquillados, spandex, plumas sedosas, ojos pintados…La degeneración más absoluta, lo peor de lo peor. Todo aquello me resultaba de lo más desagradable, una idea completamente horrible. Cuando esta gran verdad se filtró al inconsciente colectivo el glam no sobrevivió. Los jóvenes vagaban por las calles sin saber que hacer, el sistema, tan opresivo y alienante como siempre (y eso sin Reagan, jajaja). En los 60 los movimientos hippies supusieron un choque frontal ideológico contra el sistema, pero la siguiente generación, aunque no sentía afinidad para con el orden establecido, tampoco lo hacía para con la generación anterior. Después del glitter, la nueva generación descubrió el Raw power y lo convirtió en su disco de cabecera (Chris Ashford).

Tras la muerte del glam la escena se había dividido. La mayoría de los jóvenes abogaban por la música disco que pinchaban en los clubs, pero al mismo tiempo se estaba gestando algo grande. Ya estamos en el 77, 76 como poco, Kim Fowley ha dado con una veta llamada The Runaways; un nuevo sonido. Para el 77 (finalmente sí), los jóvenes están empezando a montar bandas en California, a teñirse el pelo de colores, a montar fanzines para hablar de las bandas que nadie más habla. En el centro de todo, Paul Beahm y George Ruthenberg, o mejor dicho, Darby Crash y Pat Smear. Miembros fundadores de The Germs (el nombre hace referencia a “el germen de una idea”, dejando constancia de que estuvieron allí desde el principio). La figura de estos dos chicos es algo mítico ya. Sectarismo, una estética extrema, perfomances brutales sobre el escenario, promesas de condenación, desprecio por todo aquel mayor de 20, abuso de las drogas, y así ad nauseam. Contaban 17 años.

Este despertar ideológico (más que musical) estaba ocurriendo (me está costando mucho resistirme a asociar el punk con Marvel y sus hijos del átomo (mutantes)) a lo largo de toda California, y grupos como los Screamers, originarios de Seattle, se desplazaban hasta allí, núcleo americano del movimiento. Lo que hallo más fascinante de este movimiento es que al otro lado del Atlántico se estaba gestando algo muy parecido, siendo cada escena desconocida para la otra. Recuerda a esa lección de Biología de 2º de E.S.O. en la que te explicaban como unos monos empezaban a pinchar cacas en palos en una punta de África, y al tiempo los monos de la otra punta empezaban a hacer lo propio. El punk fue ese ‘click’ en el genoma, un arma oculta, la última línea de defensa del espíritu humano contra la alienación. Y también fue el pinchar cacas en palos de la historia de la música.

L.A. bullía, devolucionaba, surgieron X, casi un tributo al Rey Lagarto en clave punk rock, Black Randy, el poeta decadente, idealizando el lado oscuro y criminal del chapero y la cultura de las drogas, y muchos más. Y no es solo que estas bandas nunca salieran a la superficie durante el boom del punk de finales de los 70, es que hasta nuestros días apenas se ha rendido tributo a la escena más creativa de cuantas acontecieron durante esos turbulentos años.

Se creó una verdadera comunidad (artística y no) al nivel de aquella mítica Factoría warholiana. La escena la componían jóvenes que vivían en bloques de apartamentos de alquiler bajo, que tenían trabajos socialmente deplorados o directamente no los tenían, que atravesaban sus lóbulos con imperdibles, que tenían bandas o eran groupies de bandas o tenían algún fanzine para apoyar a las bandas; era una comunidad proletaria, la del DYI (do it yourself).

Para el 79 la escena había crecido tanto que comenzó a escindirse. Una parte del público se orientó hacie el rockabilly y otra hacia el hardcore. Antes de eso la escena había sido inclusiva porque agrupaba a todos los que no eran seguidores de Linda Ronstadt, Ted Nugent o los Eagles… (John Doe)

El hardcore, la segunda ola, era lo mismo. Otra vez lo mismo, pero más. Más rápido, más fuerte, más cabreado. The Cramps aceleraron el rockabilly, pero nada más, puesto que los rockabillys de los 50 ya eran bastante psicóticos (en palabras de la misma Poison Ivy). La llegada de los Cramps a L.A. nos hizo ver que una buena parte de la cultura estadounidense merecía ser destruida (Jeffrey Lee Pierce). Pero también, en el 79 apareció la heroína. Su impacto negativo fue evidente, sobre todo en los que palmaron (John Doe).

En 1980, apenas tres años después de los orígenes, el punk había llegado a todo el estado de California (gracias, Tony Alva), se había encargado de revivir el blues, de inflamar un nuevo aire a la root music, se había esparcido entre las diversas comunidades que poblaban L.A., y se acercaba a su fin (el de la primera ola, la carne de cañón, los olvidados de la historia).

1980, Darby Crash, miembro fundador de The Germs, se suicida pocos días después del concierto de reunión de la banda (y otros pocos más de su disolución; así funcionaban las cosas, aceleradas). Acomete el mayor acto de rebeldía antisistema posible. El punk quería resultar antagonístico con el concepto de uniformidad. Se rasgaban las ropas, se autolesionaban, se teñían el pelo. Se quitaban la vida.

Más de tres años han pasado desde que Animal Collective publicasen el mastódontico Merriweather Post Pavilion. Durante este tiempo los de Baltimore han publicado diferentes epés, una caja con canciones perdidas y nuevas mezclas de algunas de sus viejas canciones llamada Animal Crack Box, discos en solitario de Panda Bear y Avey Tare y hasta una línea de zapatillas. Pues bien, ahora por fin podemos hablar de que el cuarteto volverá con nuevo material antes de que acabe del año.

A través de un video en su página web, Anima Collective ha anunciado la llegada de Centipede Hz, el que será su sexto disco de estudio y que verá la luz en el sello Domino el próximo mes de Septiembre. En el poco más de los sesenta segundos de video nos encontramos con diez nombres, lo que se supone que serán el título de las canciones, ente las que no estarían incluidas ni ”Honeycomb” ni ”Gotham” que fueron lanzadas la semana pasada y que podéis escuchar a continuación.

Dan Auerbach / Foto de Reid Long

Según SPIN, The Black Keys van a tener su propio documental, cuyo director Noah Abrams define como “una comedia con la mejor banda sonora de todos los tiempos“. Abrams ha seguido a la banda desde enero coleccionando material de la gira y espera tener el film listo para el año que viene. En su entrevista con SPIN, este fotógrafo y amigo de la banda admitía conocer muy bien a esta pareja de amigos y afirmaba que tienen una relación divertidísima.

“They’re guys that grew up around the corner from each other. They worked and worked and worked and toured and toured and slept in a van and worked their asses off and now they’re selling out arenas. I think it’s a testament to their talent and hard work. We’ve gotten some amazing footage so far.”

28 de noviembre / Palacio de Deportes de Madrid